Aguas danzantes: Rita Blitt en el Museo de Arte de Mulvane

Por Sam Ben-Meir

TOPEKA, Kansas — Aguas danzantes es una nueva exhibición en el Museo de Arte Mulvane de Topeka, curada por la directora del museo Connie Gibbons, y presenta el trabajo de Rita Blitt, quien ha estado creando arte de manera constante y diligente durante más de sesenta años. En ese tiempo, Blitt ha creado un cuerpo de trabajo de inmensa amplitud y alcance, que abarca miles de dibujos y pinturas, así como esculturas, desde lo monumental hasta lo íntimo, e incluso películas. La exposición actual se basa en la extensa colección permanente de Mulvane para brindar a los espectadores una apreciación sinóptica de este prodigioso y subexpuesto artista estadounidense.

Bailar implica movimiento; y en el trabajo de Rita Blitt, la calidad encarnada y performativa de trazar la línea es un componente esencial. El aspecto terpsicoreano del arte de Blitt es irreductible a la técnica o al estilo: es esencial tanto para su forma de trabajar como, lo que es más importante, para la forma en que sus pinturas y esculturas actúan sobre nosotros. El movimiento saltante del agua se realiza en su pincelada expansiva, acotada y fluida. Para Blitt, el agua no es simplemente el compuesto químico inorgánico, sino esencialmente elemental, la viscosidad del mundo natural (está vivo y en movimiento) y su compromiso con el agua, esta materia primordial, es un compromiso, o más bien un abrazo, de lo que el filósofo Merleau-Ponty llamaría la 'carne del mundo', subrayando nuestra 'conexión encarnada con los espacios que habitamos profunda, primaria y elementalmente'. La carne implica no sólo el agua y sus corrientes, sino también el aire y sus respiraciones ventosas, la tierra con sus formas y vicisitudes, y el fuego, tan luminoso y vivificante como el sol.

La exposición comienza con dos pinturas a gran escala, Aguas danzantes I (2001) y Aguas danzantes III (2001), las cuales sirven como una excelente introducción a este artista consumadamente lírico y expresivo. Proporcionan un buen lugar para comenzar porque Blitt es, ante todo, un maestro de la línea y la linealidad, como muestran estas pinturas. También son un exultante recordatorio de que Blitt es esencialmente un artista afirmativo, uno que generalmente prefiere pintar la alegría extática del mundo, en lugar de su distanciamiento y dolor. Pinturas como estas son, en última instancia, una visión de la reconciliación de la humanidad con el mundo interno y externo. La fuente de pintura de color amarillo brillante que se eleva a través del corazón de Aguas danzantes I es una confirmación tan fina como cualquier otra de que la obra de Blitt ocupa un mundo de goce mozarteano.

Bermuda (1958) es la primera de las pinturas de Blitt expuestas. Lo que encontramos aquí, entre otras pinturas de este período, es un interés por la relación formal entre las formas, que con el tiempo se trasladaría a su escultura monumental. En el lado izquierdo, un objeto triangular claramente definido, presumiblemente un bote de algún tipo, sobresale del agua en un ángulo de 45 grados. A tope contra esto hay un objeto semirectangular, cuya forma se repite en un edificio que se eleva sobre el fondo tropical. En el lado derecho, se pueden distinguir claramente los trazos expresionistas audaces que vendrían a dominar sus abstracciones lineales. Blitt ha sabido combinar con éxito, de forma especialmente llamativa, este intenso respeto por la forma con la gestualidad enérgica y desenfrenada del spray blanco. Es un recordatorio de la observación de Clement Greenberg de que cada cuadro terminado es, de hecho, "el resultado de la resolución exitosa de una lucha difícil".

Winds of Change (2004) y Celebrating Fall in Aspen (2003) son ejemplos deslumbrantes a gran escala de la pintura de paisajes no naturalista de Blitt. Hay una cierta similitud formal y estructural entre las dos pinturas, las cuales presentan una línea ondulante que se extiende a lo largo de todo el lienzo. Es una línea que uno puede estar tentado a considerar como un ensayo del gesto fundacional de la creación: la separación de lo que está arriba de lo que está abajo. No es simplemente una larga línea voluptuosa, sino el hilo que hace posible el tejido mismo de un paisaje, que nos permite abrazar el paisaje y ser abrazados por él. En los Vientos de cambio, amplios remolinos expresivos de púrpuras, azules y grises se ciernen sobre el horizonte. Blitt es un maestro en dejar que la pintura se abra camino sobre tramos de lienzo. Su pintura es lo suficientemente delgada aquí (y en Aguas danzantes III) que corre por sí sola en delicados filamentos. No tiene miedo de permitir que la pintura colabore con la gravedad y produzca efectos comparables con el grabado en madera de Hiroshige, Sudden Shower over Shin-Ōhashi bridge y Atake (c. 1920-1929) incluidos en la exposición.

Blitt es tan hábil con la transparencia como con el color y la densidad. Sin título (1968), una escultura acrílica translúcida y escurridiza que parece flotar en el aire, es la ocasión para que surja una presencia sutil, como si el propio espacio vacío se hubiera congelado en algo diáfano y etéreo. La exposición incluye una pequeña pero notable muestra de las exploraciones de Blitt sobre las posibilidades escultóricas del acrílico. Quizás el más extraordinario de estos es Aquablitt (1972), hecho de una sola hoja de perspex, dividida internamente en cintas anchas, y luego formada por cuatro personas levantando alternativamente de cada esquina, en la dirección de Blitt. En muchos sentidos, este trabajo personifica los temas de la muestra: el acrílico se ha convertido en una oleada extraña y ondulante que nunca parece terminar, pero que cambia constantemente y se extiende desde una ondulación hasta una ola creciente.

La exposición incluye pinturas y esculturas individuales de un puñado de otros artistas cuyo trabajo está relacionado temáticamente. Entre estos se encuentra Transmutation Still Life (2018), una escultura de medios mixtos de la artista de instalación Marguerite Perret, profesora asociada de arte y diseño en la Universidad de Washburn en Topeka, Kansas: da una mirada realista a la forma extraña que un artefacto humano ordinario puede asumir sobre tiempo, en este caso, el chaleco salvavidas naranja brillante de un nadador colonizado por el mar y transformado en el proceso en algo reconocible pero nuevo, misterioso y absolutamente cautivador.

"El arte no es indiferente a la verdad", como escribió RG Collingwood, "es esencialmente la búsqueda de la verdad", pero debemos agregar que esto no es tanto la búsqueda de una verdad preexistente como la puesta en escena de la verdad. ser. Si esto es lo que reconoce el modernismo, entonces el modernismo no es principalmente una categoría cronológica: es estético y crítico, y se ejemplifica en el trabajo de Rita Blitt. La pintura y la escultura tratan para ella precisamente de recuperar lo que Theodor Adorno denominaba 'el tuétano de la experiencia', perdido como consecuencia de la modernidad racionalizada, la reducción de la razón a la razón instrumental y el dominio de la naturaleza, interior y exterior. . La abstracción modernista, y el gestualismo de Blitt en particular, revelan que "los detalles sensoriales pueden significar, pueden ser objetos hipnóticos de atención, aparte y desafiando cualquier forma de mecanismo de identificación que no sea el que insinúa su mera presencia".

El trabajo de Blitt está dirigido en última instancia a reclamar el significado de nuestra experiencia encarnada y el estatus, de hecho, el prestigio de los particulares únicos y sensibles como los objetos propios de tal experiencia. Como observó Adorno, "realmente no hay arte que no tenga, como elemento sustancial, el aspecto de dar voz a lo que ha sido silenciado o suprimido -es decir, sacrificado, aunque "no necesariamente destruido- en el proceso de la control progresivo de la naturaleza”. El arte permite que esto, este particular sensual irreductible, emerja como inherentemente significativo, recupere su voz y reclame su derecho sobre nosotros. En ese caso, una verdadera apreciación del arte de Rita Blitt también debe hacer justicia al aspecto utópico de su trabajo: es decir, nos invita a una reconciliación aún no realizada con la naturaleza (interior y exterior), una reconciliación con esos aspectos de la humanidad. (los impulsos lúdicos, espontáneos y eróticos) que han sido sacrificados en nuestro implacable impulso hacia el dominio de la naturaleza.

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Sam Ben-Meir es profesor de filosofía y religiones del mundo en Mercy College en la ciudad de Nueva York.